Por Félix Ayurnamat
Es importante comprender a fondo cualquier obra para generar una opinión fundamentada, especialmente en el ámbito del arte contemporáneo, donde se busca discernir entre lo efectivo y lo fallido. Analizar la obra inicialmente por una fotografía puede ser efectivo, pero la experiencia de verla en persona, si se analiza con detenimiento, puede resultar mucho más enriquecedora.
Recientemente, visitamos la exposición de Damien Hirst en el Museo Jumex, en la Ciudad de México. Aunque el trabajo de Hirst no figura entre mis preferencias artísticas, consideré importante asistir y ver su obra para hacer una evaluación imparcial, tal como acostumbramos en cada exhibición que visitamos.
Nuestra visita tuvo lugar un jueves por la mañana, a las 11:15 horas, el cuarto día desde la apertura de la exposición.
Sorprendentemente, no nos encontramos con largas filas de visitantes, a pesar de la considerable promoción en redes sociales que anticipaba un evento muy instagrameable.
Es importante mencionar que el acceso directo está disponible para aquellos que prefieren evitar la inclemencia del sol mediante el pago de una “modesta” tarifa de $200 pesos. Este servicio agiliza el ingreso, aunque no está exento de críticas, ya que algunos podrían considerarlo como una forma de privilegio económico.
Retomando nuestra experiencia, nuestro ingreso fue ágil y en menos de cinco minutos ya nos encontrábamos en el tercer piso del museo, listos para ver la exhibición. Sin embargo, lamentablemente, nos encontramos con una disposición museográfica que parecía estar en abierta oposición al trabajo de Hirst.
La distribución de las obras resultaba caótica y poco cuidada, impidiendo una apreciación adecuada de cada pieza. La falta de espacio entre ellas restaba impacto visual y dificultaba la comprensión de su contexto. La ausencia de un recorrido fluido dificultaba aún más la experiencia del espectador, impidiéndole comprender la evolución del trabajo del artista.
En la primera sala, nos enfrentamos a una sucesión de obras que, si bien reflejaban el inconfundible sello de Hirst, carecían de la contundencia y la originalidad que se esperaría del mito creado. La repetición de motivos y la acumulación excesiva de objetos desvirtuaban la efectividad de las piezas.
En particular, las instalaciones hechas con animales conservados en formol, si bien podrían haber sido impactantes si fueran una o dos, perdían su efecto debido a su número excesivo y a una disposición descuidada. La falta de espacio entre las piezas y la ausencia de una narrativa cohesiva restaban valor a cada una de ellas, convirtiendo la visita en una experiencia más tediosa que reveladora.
En el primer piso de la exposición, nos encontramos con un par de pinturas de puntos, una de las facetas menos convincentes de la obra de Hirst. Estos ejercicios parecen intentar compensar su falta de impacto visual mediante sus dimensiones desmesuradas. Como bien se dice, lo que no funciona en pequeño difícilmente lo hará en grande, y esto se aplica perfectamente a su obra de brillantes, que contrasta directamente con las pinturas de puntos. Es interesante observar cómo los puntos logran eclipsar visualmente a las superficies doradas y brillantes, que, a pesar de sus elementos llamativos, parecen perderse en la disposición desafortunada de la sala.
En esta misma área, nos encontramos con una de las tantas obras de Hirst ecocidas, insectos muertos bajo pedido del autor, catalogados y clasificados de una forma aburrida. Lamentablemente, estas obras, a pesar de su tamaño, pasan desapercibidas debido a su ejecución deficiente y a la disposición descuidada en la sala.
Sin embargo, dentro de este caos museográfico, destaca una intervención ubicada cerca de la salida, en una esquina a más de seis metros de altura. Esta intervención logra generar una tensión palpable y los colores utilizados funcionan de manera efectiva. Sin embargo, la falta de comprensión sobre el concepto de intervención por parte del museógrafo se hace evidente al colocar la obra a escasos centímetros de una cámara de vigilancia, lo que afecta su interpretación y resignificación.
Al llegar al segundo piso, nos enfrentamos a un panorama desolador. La sobreabundancia de mariposas y animales muertos para la creación de obras repetitivas, ya sea en tanques, cajas o en las cursis réplicas de vitrales, revela una ambición desmedida que desvirtúa cualquier intento artístico. La saturación visual y la falta de curaduría hacen que las obras carezcan de impacto, generando interpretaciones diversas y, en muchos casos, indignación hacia el creador, especialmente al descubrir que las mariposas son reales.
A pesar de este panorama desalentador, hay una pieza que quisiera resaltar: una gran rueda giratoria. No por su ejecución, sino por la relación que tiene con su título. Aunque no pueda considerarla efectiva o bien resuelta, es lo más rescatable de esta sección de la exposición.
Al descender a la última sala, que comprende obras de las últimas etapas de Hirst, encontramos las esculturas colocadas en la terraza del museo. Entre ellas, destaca una versión alternativa a su obra "Exquisite Pain", que se presenta en una versión más significativa y reveladora de la crisis del artista. Aunque otras obras de esta sección pueden resultar más obvias o menos impactantes, esta escultura logra captar la atención y profundizar en los matices personales del autor.
Continuamos nuestro recorrido hacia la última parte de la exposición, donde nos encontramos con la obra más polémica de Hirst, tan "original" como sus destacadas ventas en subastas: el famoso "cráneo" incrustado con "diamantes", acompañado de siete pinturas en formato mural. Lamentablemente, este cráneo artificial parece perderse en el espacio, eclipsado en cuanto a "éxito de selfies" por la paloma en formol de la segunda sala. Sin embargo, la visita a esta sección vale la pena, ya que aquí encontramos el intento de redención del propio Hirst a través de sus pinturas.
Como en una trama de película mexicana de Rumberas, observamos al protagonista intentando redimirse, escapar de las sombras de su pasado para recuperar su humanidad. En mi opinión, las pinturas de Hirst son efectivas en términos formales; con unos minutos de contemplación, comienzan a revelar las emociones y los pensamientos del autor en esta etapa de su vida.
Son obras profundamente contemplativas que invitan al espectador a sumergirse en su mundo. Recomiendo recorrerlas de derecha a izquierda y viceversa para apreciarlas en su totalidad. Aunque no son perfectas, en mi opinión, representan lo mejor de la exposición.
A lo largo de la exhibición, el personal del museo se muestra amable para regañarte o para ofrecer su ayuda para comprender mejor las obras. En esta última sala, una de las jóvenes se acercó a nosotros para plantearnos una pregunta fundamental: "¿Creen que esto es arte o no lo es?". Y es precisamente a eso a lo que vinimos a esta exposición, a responder si la obra de Damien Hirst puede considerarse arte o no.
Después de analizar detenidamente cada pieza y reflexionar sobre el conjunto de la exposición, llego a la conclusión de que Damien Hirst es, un artista. Sin embargo, es un artista que, en su afán por el lucro, ha diluido su arte en un mar de objetos decorativos repetitivos y carentes de profundidad para satisfacer las demandas del mercado del arte. Ha vendido ilusiones a aquellos adinerados que creyeron en la falacia de que invertir en arte conceptual es una garantía de retorno económico (lamento informarles que fueron engañados).
La mayoría de las obras presentadas en Jumex no pueden considerarse arte en el sentido más puro de la palabra; en el mejor de los casos, son simples ejercicios estéticos técnicamente resueltos pero conceptualmente vacíos. No comunican, no establecen un diálogo con el espectador; son meros productos plásticos que carecen de profundidad y significado. Sin embargo, entre la cantidad de objetos superfluos, resaltan las pinturas, la escultura previamente mencionada y dos instalaciones que revelan las capacidades artísticas de Hirst.
Espero sinceramente que el tiempo, le permita a Hirst redimirse y retomar el camino creativo que inició en su juventud. Que pueda volver a ser un artista en constante búsqueda de expresar su visión del mundo, como aprendió en sus años escolares, y alejarse de la gran trampa que representa el éxito y el mercantilismo.
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